«Para mí, es importante decir simplemente cosas difíciles»

– Evgeny Maksovich, ¿por qué la exposición que se realizó en el Museo Bakhrushinsky en invierno se llamaba «Evgeny Dobrovinsky: Obtenga tinta y un póster»? ¿Qué tipo de trabajos presentaste y cuáles son los más queridos para ti?

– Pasternak es mi poeta favorito, y este poema es «Febrero. ¡Consigue tinta y llora! » – solo sobre creatividad: lo difícil que es y lo simple que es. Además, está muy cerca de lo que sucede a su alrededor. La exposición es el resultado de casi 50 años de trabajo. Con los años, he creado cientos de carteles y seleccionado el mejor aquí. El primero es un cartel de 1974 «Dmitry Shostakovich». Esto es parte de mi trabajo de posgrado en el Instituto Poligráfico. En el mismo año, recibió una medalla de oro en una de las exposiciones más prestigiosas de Brno, Checoslovaquia. Los más recientes: carteles políticos sobre el tema del día, como «Elige con tu corazón» o «El pájaro de la felicidad del mañana»; dedicado a otros países: «Japón y Corea» o «70 años de Israel»; carteles de teatro.

– Debajo de varias obras en la sala Luzhnetskiy, se puede encontrar una firma inusual «retrato-póster». ¿Es este tu invento o es un género establecido?

– Puede parecer anticuado, pero me parece que no importa lo que haga un artista: diseño, arquitectura, arte aplicado, debe dibujar muy bien. Por lo tanto, todos los años, comenzando en la universidad, pinto mucho. Y así, hace tres años, comencé a hacer carteles-retratos: en lápiz negro o carbón sobre papel A3 blanco. Primero dibujo, luego disparo con alta calidad, lo conduzco a una computadora e imprimo en el tamaño correcto. Un póster es una imagen con texto. Y decidí experimentar y crear un retrato en el género de un póster: una imagen sin texto, que en sí misma «habla». Tengo, por ejemplo, toda una serie de carteles de retratos de grandes escritores.

– ¿Cómo sueles crear un playbill? ¿Ves inmediatamente lo que será en forma, color y contenido?

– He trabajado en el teatro por más de 40 años. Y cada cartel teatral es toda una aventura para mí. No me gusta trabajar en plazos ajustados y hacer carteles en unos días. Necesito tiempo para pasar por todas las etapas. Primero hay una lectura de la obra, luego voy a los ensayos para entender cómo el texto «yace» en el escenario. Me comunico mucho con el director. Cuando fotografío, cuando hago pequeños bocetos de lo que está sucediendo en el escenario. Este es un proceso muy activo, que eventualmente se exprime y se convierte en un signo de gran capacidad. Para mí, es fundamental decir simplemente sobre lo difícil.

Hay, por supuesto, casos en los que necesita trabajar rápidamente para llegar a tiempo al rendimiento. Entonces el director sufre: le quito el alma para que me cuente todo. Además, cuando está adornado y narra durante mucho tiempo, le exijo que empaque todo lo que se dice en una oración. Trabajé con docenas de directores: Iosif Raikhelgauz, Mikhail Levitin, Valery Fokin, Mark Zakharov. Y al principio se tensaron, pero luego dieron una frase, de la cual, de hecho, el cartel creció.

– ¿Cómo desarrollaste tu estilo? ¿A qué artista ruso o extranjero admiraste y de dónde sacaste inspiración?

– En 1969, ingresé al Instituto Poligráfico, donde estudié con maravillosos maestros. Esto fue después de dos años en otra universidad, tres años de servicio militar, un año de preparación para la admisión. En general, ya tenía 26 años y era el mayor en el curso. También casado Tenía que ganar dinero, así que inmediatamente fui a trabajar. Realizó portadas de libros para editoriales. Luego llegué al Moskontsert. Me encantaba la música clásica y fui a hacer carteles para conciertos filarmónicos. Pagaron poco por ellos, pero los asumí, ya que estaba muy interesado.

Al mismo tiempo, conocí al difunto artista Efim Tsvik. Es un artista de carteles inusualmente talentoso que se convirtió en maestro y amigo para mí, aunque era diez años mayor. Entonces no tenía dónde trabajar, y él tenía su propio taller, donde me dio una esquina. Allí conocí a artistas de carteles que estudiaron con el destacado artista polaco Heinrich Tomaszewski.

La escuela polaca era entonces la más fuerte del mundo. Tomashevsky crió a docenas de artistas de carteles extra-clase en su clase, que luego se fueron a enseñar en otros países, desde Francia hasta Estados Unidos. Y fue la reunión con sus alumnos, y luego su relación con él en Varsovia, lo que me dio una idea del cartel. Hasta ahora, no he visto nada mejor que estos carteles metafóricos, carteles que riman. Hasta ahora, me cautivan instintivamente.

– ¿Quién te consideras en primer lugar: un artista, un decorador, un diseñador? ¿Y por qué?

– Solo soy un artista en el sentido más amplio de la palabra. Porque hago carteles, diseños de libros, anuncios teatrales, dibujo mucho y también hago caligrafía, tipografía y arte demostrativo – actuación: cuando creo grandes lienzos caligráficos en público en tiempo real. Anteriormente también me dedicaba a la pintura de caballete, ahora es difícil para mí, por lo tanto, me dedico a los gráficos de caballete.

– Cuéntanos sobre los trabajos del año pasado.

– The Hermitage fue el anfitrión del estreno de la obra I Am Not Home, el evento principal de la temporada del 60 aniversario del teatro. Esta es la tercera actuación basada en Daniil Kharms organizada por nuestro director artístico Mikhail Levitin. Para él, se me ocurrió un póster y un programa: sobre un fondo amarillo desteñido, un cuervo en un sombrero de copa con una llave en la nariz. Y en la Feria de Literatura Intelectual de No Ficción de diciembre, presenté una serie de carteles dedicados a la escritura hebrea. Consta de 23 obras y se llama «Signos de la Eternidad».

– Has creado el aspecto moderno del Teatro Hermitage de Moscú. ¿Cuéntanos cómo se crea en general el estilo de todo el teatro?

– Cada caso es diferente. Por ejemplo, para la Escuela de Juego Contemporáneo de Reichelgauz, cuando se convirtió en teatro, se me ocurrió un logotipo con dos ángeles negros con un martillo y una hoz. Luego transferí a estos ángeles del logo a los playbills. Pensé en una dificultad adicional para practicar. Y como resultado, resultó, en mi opinión, muy interesante. Echa un vistazo al cartel «Sin palabras»: allí ángeles blancos salen volando de la boca de una silueta y llegan a la oreja de otra ya negra. Las personas a menudo no se entienden, tal es la metáfora.

El caso con el Hermitage es diferente. Comenzó como un teatro de miniaturas, un teatro muy agudo en la lengua. Llegué allí cuando organizaron conciertos en miniatura de nuestros famosos humoristas: Roman Kartsev, Viktor Ilchenko, Mikhail Zhvanetsky, muy ingeniosos. Y luego Mikhail Levitin llegó allí, y apareció una gran figura: una actuación normal de dos horas. Quería combinar estas historias y al mismo tiempo hacer una señal moderna. Así es como apareció un simple cuadrado rojo: la letra «E» y un lenguaje con el que experimenté durante mucho tiempo. Hasta el punto de que tomé un montón de fotografías de diferentes idiomas, y luego, después de un largo camino de purificación, llegué a este formulario.

Y sucedió que hice un concepto innovador para mí por casualidad. Durante los primeros años de la perestroika, a mediados de la década de 1980, los directores jóvenes comenzaron a ser nombrados y renombrados teatros. El director Otar Dzhangisherashvili me llamó desde Volgogrado: “Haznos una identidad corporativa. Tenemos un teatro de teatro regional ordinario, y ahora hemos decidido hacer un nuevo teatro experimental «… Llegué a Volgogrado, reconstruido después de la Gran Guerra Patria con edificios estalinistas de gran altura, y me di cuenta de que cualquier inscripción simplemente se perdería en una ciudad tan grande. Luego, después de todo, los carteles se imprimieron solo 60 por 90 centímetros de tamaño, no había otras máquinas de impresión.

Otar dijo «no» como «red», con un fuerte acento georgiano. Entonces me di cuenta de que era una gran idea: reducir «Nuevo teatro experimental» a «NET». Así es como apareció el logotipo. Y luego sugerí hacer un alfabeto de carteles con todas las letras y espacios, donde el emblema del teatro y los símbolos geométricos modernistas estarían presentes, en lugar de carteles separados para cada actuación. Luego escribir palabras de ellos. Pintado a mano, recortado, impreso. Y cuando estas cartas-carteles aparecieron en las paredes de la ciudad para el estreno de Romeo y Julieta, todos se dieron cuenta.

– ¿Recuerdas que se te ocurrió tu propio estilo de logotipo?

– Sí, lo hice para mi escuela de caligrafía, que fundé en 2004. Aunque también tengo la marca de diseño en los carteles. Esto es pura caligrafía: las letras «D» y «E» en un círculo rojo. Intenté escribirlos al menos 500 veces, y luego elegí una opción.

– ¿Cuándo sentiste el ansia de caligrafía?

– Para ser honesto, ni siquiera sabía al principio que era caligrafía. Acabo de escribir con una pluma de póster, principalmente en el ejército: en periódicos de pared y algún tipo de pósters improvisados. Aquí, por cierto, no confunda la caligrafía y la escritura a mano. Por ejemplo, mi escritura a mano es naturalmente muy pobre, pero cuando hice algo conscientemente, controlé mi mano e imprimí cada letra. Y tomé en serio en el instituto, donde tenía un maestro de fuentes. Y mi diploma era principalmente de tipo: escribí los sonetos de Shakespeare. Después de eso, la gente comenzó a recurrir a mí para preparar a sus hijos para ingresar al instituto. Luego hubo un examen de ingreso de fuente obligatorio. Se puede decir que se dedicó a la tutoría. Poco a poco, mi taller comenzó a convertirse en una clase y luego en una escuela.

– ¿Cuán relevante es tu Escuela de Caligrafía ahora? ¿Quién estudia principalmente con usted: niños, jóvenes, adultos?

– Básicamente hay dos tipos de personas en mi escuela. Algunos son profesionales graduados de institutos de arte. Diseñadores que buscan dominar la caligrafía para agregar calidad a su trabajo. Otros no son artistas que quieran dominar la caligrafía como un hobby. Hay una regla para todos: inmediatamente digo que tienes que venir a mí por mucho tiempo. Al menos un año.
Hoy, cuando la vida de una persona se compone de clics en el panel táctil de un dispositivo, ¿la caligrafía como arte tiene algo que aprender? ¿Cómo ha cambiado nuestra carta en los últimos años?
La mano humana se está volviendo menos hábil de lo que era en mis días. Cuando fui a la escuela en 1951, había botes de tinta sin derrames, una pluma con presión y recetas especiales. Así que éramos calígrafos en comparación con los niños de hoy. Ahora la gente no puede escribir en absoluto. Para una persona moderna, es especialmente necesario preservar la mano y las habilidades motoras finas de los dedos, que están asociadas con el pensamiento. Podemos decir que hacer caligrafía es importante desde un punto de vista médico. Y en los países civilizados lo saben. Por ejemplo, una vez que un grupo de calígrafos estadounidenses vino a mi taller. Todos ganan enseñando en universidades. Y ni siquiera artístico, sino físico y matemático. La caligrafía es un componente esencial de su educación.

– Los diseñadores modernos que trabajan con letras y fuentes llaman a su trabajo «letras». ¿Es la misma caligrafía o hay diferencias?

– Hay diferencias. Letras: al escribir cartas, dibujarlas. Las letras se marcan con un lápiz y luego se pintan. Es más un proceso de dibujo. Y el calígrafo forma letras en un solo movimiento. Como un escriba: en algún lugar presionando, en algún lugar girando, en algún lugar presionando con la ayuda de herramientas especiales, que ahora, por cierto, se han convertido en mucho.

– Si se le pidiera hacer carteles de letras caligráficas con los nombres de escritores rusos, ¿qué fuentes y colores usaría, por ejemplo, para Pushkin, Dostoievski, Tolstoi?

– Primero: los escribiría todos en blanco y negro. Serían diferentes no por el color, sino ante todo por la forma. Les haría una letra diferente: Tolstoi, de tipo grueso y recto, Pushkin, fluido, florido, similar al que él mismo escribió, y Dostoievski, múltiple y psicológicamente rico.

– En nuestro portal «Culture.RF» puedes encontrar libros, performances, películas. Comparta con nuestros lectores: ¿qué revisa o relee a menudo de las obras rusas?

– Soy partidario de los clásicos, apenas leo literatura moderna. Leí sin cesar a Andrei Platonov, Boris Pilnyak, Fyodor Dostoevsky, pero más, probablemente, poesía: Boris Pasternak, Osip Mandelstam, Joseph Brodsky. Amo mucho la poesía de mis compañeros, algunos de ellos son mis amigos: Lev Rubinstein, Alexei Tsvetkov, Sergei Gandlevsky, Igor Irteniev. Así es como me alimento. Pero con las películas es muy difícil. Empiezo a aburrirme tan pronto como queda claro lo que quieren decirme. Es difícil para mí ver incluso una muy buena película durante dos horas, así que no soy una persona cinematográfica en absoluto.

Fotos proporcionadas por los organizadores de la exposición «Evgeny Dobrovinsky: Obtenga tinta y un póster», que se celebró en el Museo Estatal del Teatro Central. AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Bakhrushin

Entrevistado por Tatiana Grigorieva